"Frases sobre el arte conceptual" de Sol LeWitt

1. Los artistas conceptuales son místicos más que racionalistas. Llegan a conclusiones a las que no llega la lógica.

2. Los juicios racionales repiten juicios racionales.

3. Los juicios irracionales llevan a nuevas experiencias.

4. El arte formal es esencialmente racional.

5. Los pensamientos irracionales deberían seguirse de manera absoluta y lógica.

6. Si el artista cambia de opinión a mitad de camino en la ejecución de su obra, pone en riesgo el resultado y repite resultados pasados.

7. La voluntad del artista es secundaria al proceso que va de la idea a la concreción de la obra. Su voluntad bien puede ser puro ego.

8. Cuando se utilizan palabras como pintura y escultura, se connota toda una tradición, y esto implica la aceptación de esta tradición, imponiendo así sobre el artista una serie de limitaciones que lo llevarán a evitar hacer arte que vaya más allá de esas limitaciones.

9. El concepto y la idea son diferentes. El primero implica una dirección general mientras que el segundo es el componente. Las ideas ejecutan el concepto.

10. Las ideas pueden ser obras de arte: se encuentran engarzadas en una cadena de desarrollo que eventualmente puede encontrar alguna forma. No todas las ideas necesitan materializarse.

11. Las ideas no proceden necesariamente en un orden lógico. Pueden enviarlo a uno en direcciones inesperadas, pero cualquier idea debe, necesariamente, completarse en la mente antes de que se forme la siguiente.

12. Por cada obra de arte que se materializa hay muchas variaciones que no.

13. Una obra de arte puede entenderse como el conducto que une la mente del artista con la del espectador. Pero bien puede nunca llegar a la mente de éste, o dejar siquiera la del artista.

14. Las palabras de un artista a otro pueden inducir una cadena de ideas, si comparten el mismo concepto.

15. Dado que ninguna forma es intrínsecamente superior a otra, el artista puede usar cualquier forma, desde una combinación de palabras (hablada o escrita) hasta la realidad física.

16. Si se utilizan palabras, y provienen de ideas sobre el arte, entonces son arte y no literatura; los números no son matemática.

17. Todas las ideas son arte si se preocupan por el arte, y caen dentro de las convenciones del arte.

18. Por lo general, uno entiende el arte del pasado aplicándole las convenciones del presente, malinterpretando así el arte del pasado.

19. Las convenciones del arte son alteradas por las obras de arte.

20. El arte exitoso cambia nuestro entendimiento de las convenciones al alterar nuestras percepciones.

21. La percepción de ideas lleva a nuevas ideas.

22. El artista no puede imaginar su arte, como tampoco puede percibirlo hasta que lo ha terminado.

23. El artista puede percibir erróneamente una obra (es decir, entenderla de un modo diferente a su autor), pero este malentendido de todos puede dar comienzo a su propia cadena de pensamiento.

24. La percepción es subjetiva.

25. El artista no necesariamente debe entender su propio arte. Su percepción no es ni mejor ni peor que la de los demás.

26. Un artista puede percibir el arte de los otros mejor que el propio.

27. El concepto de una obra de arte puede involucrar la materia de la que está hecha la obra o el proceso durante el que se realiza.

28. Una vez que la idea de la obra se establece en la mente del artista y su forma final es decidida, el proceso se lleva a cabo a ciegas. Hay muchos efectos secundarios que el artista no puede imaginar. Estos pueden utilizarse como ideas para nuevas obras.

29. El proceso es mecánico y no debería interferirse en él. Debería seguir su curso.

30. Hay muchos elementos involucrados en una obra de arte. Los más importantes son los más obvios.

31. Si un artista utiliza la misma forma en un grupo de obras, y cambia el material, uno debe asumir que el concepto del artista involucraba el material.

32. Las ideas banales no pueden salvarse mediante bellas ejecuciones.

33. Es difícil arruinar una buena idea.

34. Cuando un artista aprende su oficio demasiado bien, hace arte demasiado cool.

35. Estas frases son comentarios sobre arte, pero no son arte.

Enero 1966: Yoko Ono da una conferencia en la Wesleyan University.

Todo mi trabajo en otros campos fuera del de la música tiende al acontecimiento [...]. El acontecimiento, para mí, no consiste en una asimilación de las demás artes, como parece ser el hapenning, sino en una liberación de las distintas percepciones sensoriales. No consiste en una reunión informal, como sucede con la mayoría de los happenings, sino que se trata de una relación con uno mismo. Además, a diferencia de aquellos, no existe un guión, aunque haya algo que lo ponga en marcha: la palabra más cercana para expresarlo sería un "deseo" o una "esperanza" [...] Si desbloqueáramos nuestra propia mente, prescindiendo de las percepciones visuales, auditivas y cinéticas, ¿qué surgiría de nosotros?, ¿habría algo?. Mis acontecimientos siempre transcurren con asombro [...]. Nunca experimentamos las cosas por separado [...], pero, si es así, existe una razón aún más fuerte y es todo un desafío crear una experiencia sensorial aislada de las otras experiencias sensoriales, ago que no es frecuente en la vida diaria. El arte no es una mera duplicación de la vida [...]. Entre mis pinturas de instrucciones, mi interés radica en hacer "cuadros para construir dentro de la propia cabeza" [...]; el movimiento de la molécula puede ser continuo y discontinuo a la vez [...]. No hay un solo objeto visual que no exista en comparación con, o simultáneamente, a otros objetos, pero estas características se pueden eliminar si se desea  [...]. Este método pictórico se remonta a los tiempos de la Segunda Guerra Mundial, cuando no teníamos nada que comer y mi hermano y yo intercambiábamos menús por el aire.

Antonio de Felipe

"Nació en Valencia en el año 1965, y se licenció en la Facultad de Bellas Artes de esta ciudad por la década del ´80. Es un artista multidisciplinario que no sólo se dedicó a la pintura o a la escultura, sino que también incursionó en distintos campos.

Se destaca en el arte Pop, rindiendo homenaje al mundo de la publicidad, del cine o de la pintura barroca española. En su obra aparecen representaciones de los objetos más cotidianos, los productos de gran consumo y los iconos de la cultura de masas. Tampoco se olvida de hacer referencia a los grandes pintores clásicos: Velázquez -al que dedicó toda una serie en sus comienzos-, Munch -reinventa El grito sustituyendo al personaje principal por el rey de los monos- o Picasso -en cuyas Señoritas de Avinyò inserta a los mitos más sensuales del Hollywood clásico-.

Pero la temática constante en su trabajo es la publicidad, un ámbito en el que trabajó durante ocho años. Dice estar encantado de que, por primera vez, una marca que aparece en sus cuadros pague por difundir su obra, y afirma que es tan bueno para ellos como para él. Además no cree que sea un problema este nuevo concepto de arte patrocinado, ya que no distorsiona la idea original de sus trabajos.

Ha desarrollado una extensa obra a través de distintas series y entre las más conocidas se destacan las dedicadas a Velázquez, con cuadros como "La infanta de naranja"; los retratos, que incluyen personalidades como Cindy Crawford o la Madre Teresa de Calcuta; la dedicada a la publicidad y "Las Vacas", entre cuyas piezas se encuentra una de sus obras más conocidas, "La vaca Coca-Cola"."

Ryan McGinley

Nació en 1977 en Ramsey, New Jersey. A los 22 años mandó un libro de 50 páginas con sus fotos a un total de 100 editores y artistas que admiraba, y a los 26 ya era el artista más joven en tener una exposición individual en el museo Withney de New York. Su obra nos recuerda a Dash Snow: imágenes vivas, tomadas en la calle y en la naturaleza,  reflejos de la juventud y de su forma de entender el mundo. Visualmente, los cuerpos de los jóvenes parecen fundirse con el espacio natural que los envuelve. Ejemplo de ello es su última exposición, Somewhere Place:

+Info&Photos

"Ocularpation", desnudos en Wall Street

Desde las 7:00 hasta las 7:05 de la mañana del pasado lunes, cincuenta hombres y mujeres desnudos ocuparon Wall Street como parte del Proyecto Ocularpation: Wall Street, de Zefrey Throwell. Este happening pretendía "desnudar" la capital financiera de la nación, según las propias palabras del artista. Como consecuencia, tres participantes (dos hombres y una mujer) fueron detenidos por cargos de conducta desordenada. Tan sólo unos pocos afortunados -incluyendo un grupo de turistas- pudieron contemplar el espectáculo, aunque rápidamente los participantes se vistieron y continuaron sus vidas con normalidad.